Wie funktionieren großartige Bilder?
Jürgen Pagel
Wie funktionieren großartige Bilder?
Inspiriert durch meinen Lieblingslandschaftsfotografen Mark Denney.
Wir kennen sie alle, großartige Fotografien, die uns fesseln, uns in ihren Bann ziehen und in die man hineinkriechen möchte.
Es ist ein Trugschluss, dass Fotografen solche Bilder jeden Tag produzieren. Bei jedem Bild muss alles passen: das Licht, die Stimmung, die Farben (selbst bei s/w sind die Farben relevant – nicht umsonst verwendete man zu analogen Zeiten Farbfilter vor der Linse) und schlussendlich natürlich das Motiv.
„Bekomme ich das auch hin?“, wird sich mancher fragen. Die Antwort lautet eindeutig ja. Mit viel Übung, Wissen um die Kompositionsregeln, mit dem richtigen Licht, mit dem besten Motiv der Welt.
1. Fotografiere eine einmalige Perspektive (Unique Perspective)
Die meisten Hobbyisten fotografieren zu schnell – das unterscheidet sie von den Fotografen. Ein Fotograf plant sein Bild, er inszeniert sein Motiv, der Hobbyist findet das Motiv schön und fotografiert es, so wie es ist und sich gerade im Moment darstellt. Das Ergebnis kann unterschiedlicher nicht sein.
Fotografiere nicht jeden Sch….., sondern lass dir Zeit auf der Suche nach DEM Motiv und wähle eine ungewöhnliche Perspektive. Denke an Vorder-, Mittel- und Hintergrund. Wenn sich um das Bild eine Geschichte rankt, umso besser.
2. Kreiere Tiefe (Create Depth)
Wir sehen dreidimensional. Wenn wir etwas auf ein Bild oder später auf ein Blatt Fotopapier bannen, ist das zunächst nur zweidimensional. Wir sehen in die Breite, in die Höhe, aber uns fehlt die Tiefe dessen, was wir mit unseren Augen gesehen haben. Es ist, wie wenn wir etwas mit einem Auge betrachten. Mit einem Auge allein lässt sich nur zweidimensional sehen. Doch wenn beide Augen ein Objekt betrachten, fügt das Gehirn die beiden leicht versetzten Bilder in der Sehrinde zu einem dreidimensionalen Bild zusammen und wir sehen räumlich.
Da das Blatt Papier oder der Bildschirm nur zwei Dimensionen zulassen, musst du die Tiefe im Bild erzeugen. Experimentiere mit verschiedenen Ansichten, wie sich am besten diese Tiefe durch den Eindruck, den das Bild bei Betrachter hinterlässt, erzeugen lässt.
Nahezu unerlässlich ist dafür die Vorder-, Mittelgrund- und Hintergrundregel. Erst wenn der Blick des Betrachters regelrecht in das Bild hineingezogen wird, ist diese Dreidimensionalität gelungen.
3. Setze den Fokus auf das, was du liebst (Focus On What You Love)
Was zunächst pathetisch klingt, hat durchaus seine Berechtigung. Pathetisch sein, meint „voller Gefühl und Leidenschaft, ausdrucksvoll, feierlich, erhaben“ zu sein. Fotografie das, was dich mit Leidenschaft erfüllt. Das, in dem du diesen gewissen Ausdruck siehst, den du benötigst, um begeistert von etwas zu sein.
4. Fotografiere das Licht (Photograph The Light)
Fotografieren ist Malen mit Licht. Suche das Licht und halte es fest. Ein Bild in vollkommener Dunkelheit geht noch nicht einmal als Kunst durch. Suche das Licht und halte es fest. Ein Bild ohne Licht, ist wie eine Suppe ohne Salz. Wie Linsen mit Spätzle und Saitenwürschtle mit veganem Wurstersatz. Das funktioniert einfach nicht.
Du siehst, es ist nicht schwierig, man muss nur einige wenige Grundregeln beachten – auf dem Weg zum großartigen Bild.
©2024 Jürgen Pagel | Neunzehn58
Neunzehn58 Photographie
Als Fotograf mobil unterwegs: Warum ein E-Scooter wie der Segway Max G3 D ein echter Vorteil im Fotoalltag ist. Flexibler arbeiten, neue Locations erreichen und Gelenke schonen – erfahre, wie moderne Mobilität die Fotografie verändert.
Mythen sind traditionelle Erzählungen, die sich Menschen seit Jahrhunderten erzählen, um die Welt, das Leben oder bestimmte Phänomene zu erklären. Sie stammen oft aus frühen Kulturen und Religionen und haben meist einen symbolischen, belehrenden oder erklärenden Charakter.
In der Fotografie halten sich viele Mythen hartnäckig. Sie stammen überwiegend aus einer Zeit, in der die Kamera- und die Technik des Fotografierens in den Kinderschuhen steckte, wie beispielsweise „Wenn die Sonne lacht, nimm‘ Blende 8“.
Eine Sigma BF ist kein Gamechanger. Wenn ein Hersteller die Einstellungsmöglichkeiten seiner Kamera deutlich reduziert und dieses als wichtige Essenz der Fotografie verkauft, wird das angesichts des Preises von 2.400 Euro zum Marketing-Gag.
Die Specs sind bescheiden und jede Einsteigerkamera für unter 1.500 Euro verfügt über die Leistung, die eine Sigma BF erbringt. Das diese aus einem Aluminiumblock gearbeitet, gefräst und geschliffen wurde, mag beeindruckend sein, aber einen Nutzen hat davon kein Fotograf. Eine Fujifilm GFX100RF begeistert mich tatsächlich auf Grund der Bildqualität und über 5.000 Euro sind für eine Mittelformat-Kamera schon fast ein Schnäppchen. Dennoch ist sie kein Gamechanger, weil sie die Motivsuche, die Bildkomposition und das Können des Fotografen zwar im positiven Sinn unterstützt, aber eben nicht ersetzen kann. Man muss sehr gut fotografieren können, um mit einer Kamera aus dieser Klasse (ohne IBIS), großartige Bilder zu erzeugen.
Eine der meines Erachtens besten Neuerscheinungen im Jahr 2025 ist die Fujifilm GFX100RF, eine kompakte Mittelformatkamera mit einem festverbauten Objektiv.
Die kurze Antwort: Nicht immer. Ob ein Vollformatsensor tatsächlich einem APS-C-Sensor überlegen ist, hängt stark vom Anwendungsfall ab. Es gibt objektive Unterschiede zwischen den Sensorformaten, aber „besser“ ist nicht automatisch gleich „Vollformat“.
Der Erfahrungsschatz langjähriger Fotografen gehört zu den kostbarsten und wichtigsten Ressourcen. Es muss also jedem, der an der Fotografie wirklich interessiert ist, sein eigenes Business betreibt oder betreiben möchte, in den Anfängen steht oder nach Jahren der Selbstständigkeit in alten Mustern festgefahren ist, Erfahrung und Kenntnisse von Experten möglichst ohne Umwege anzunehmen. Mithilfe von Mentoring sollen Ihre eigenen, wertvolle Erfahrungen bewahrt und erweitert werden.
Denn bei mir bekommst du keine Dumpingpreise, sondern eine wertvolle Arbeit, die dich und dein Business voranbringt.
Denn bei mir erhältst du Qualität, Sorgfalt und erstklassige Arbeit, die ihr Geld WERT ist.
Wenn Fotograf:innen extrem niedrige Preise verlangen (oft weit unter dem marktüblichen Niveau), kann das tatsächlich dazu führen, dass Kund:innen ein verzerrtes Bild vom Wert professioneller Fotografie bekommen. Das Resultat: Der Preis wird als wichtigstes Kriterium wahrgenommen – nicht die Qualität, die Erfahrung oder der Service. Das ist gefährlich für alle, die nachhaltig und professionell arbeiten möchten.
Viele schwören darauf, manche lehnen sie kompromisslos ab. Sehr wahrscheinlich haben beide Gruppen unrecht. Nur weil das Objektiv alt ist, ist es nicht zwangsläufig gut. Wenn eines seinen eigenen Charakter an einer Fujifilm X-T5 entwickelt, muss das an einer Nikon Z8 nicht unbedingt auch funktionieren. Richtig ist, dass sich am technischen Vorgang der Fotografie wenig geändert hat. Richtig ist aber auch, dass die Objektive aus den 50er bis in die frühen 90er Jahre in erster Linie für analogen Film entwickelt und gefertigt wurden. Und oftmals sind sie als Massenprodukt millionenfach hergestellt worden, ohne dass man Wert auf eine herausragende Qualität gelegt hat, denn auch nach 1950 saß das Geld nicht locker und wer sich schon für ein paar hundert Mark eine Kamera leisten konnte, dem kam die Industrie mit einigermaßen günstigen Objektiven entgegen.
Einer meiner großen Vorbilder in Sachen Blitzlichtfotografie ist - wie ich schon in einem anderen Blogbeitrag erwähnte - Aki Moosmann. Am 21.04.2025 erschien ein neues Video auf seinem YouTube-Channel, dass sich wieder einmal mehr mit dem Einsatz eines Blitzes bei Outdoor-Shootings und in einer U-Bahnhaltestelle beschäftigt.
gerne teile ich dieses Video mit Euch!
